Stefania Ranghieri – Cosmic green Light

Il lavoro si Stefania Ranghieri si basa sull’uso di forme semplici, minimali in transito tra astratto e naturale concretizzandosi in manufatti dove la luce diventa protagonista e medium.

Comunicato stampa

Nellimya: light art exhibition ospita la personale di Stefania Ranghieri Cosmic green Light in un ambiente che rievoca quello abitativo, ma che non rinuncia alla presenza poetica della natura.
Cosmic green Light è la volontà di tenere in equilibrio il valore di un’alternanza visiva tra il silenzio di un volume astratto e il dialogo di una forma iconica che traspare e si rivela.
Da tempo, o meglio da sempre, l’artista lavora con l’idea di esplorate il tema del principio primo dell’esistenza, dove la luce rappresenta l’ingrediente necessario per creare nuova materia, l’energia imprescindibile per la nascita di ogni forma di vita: “Come si è originata la prima molecola? “Il mio pensiero è sempre incastrato lassù o laggiù” – spiega Stefania – secondo le teorie più recenti, la luce ha cominciato a propagarsi nell’universo almeno 13,2 miliardi di anni fa, dopo la cosiddetta Dark age. Rimane però da comprendere quale sia stata l’origine di quelle minuscole perturbazioni, increspature dello spazio-tempo che costituiscono i ‘semi’ necessari a innescare il fenomeno dell’instabilità gravitazionale. Davvero affascinante!”

Il lavoro si Stefania Ranghieri si basa sull’uso di forme semplici, minimali in transito tra astratto e naturale concretizzandosi in manufatti dove la luce diventa protagonista e medium. Enfatizzate dalla cura di un allestimento site specific, nella mostra tutte le opere diventano volumi pronti ad accogliere e proteggere altri elementi della natura, come in una crisalide o ventre materno sorpresi nel loro primo generarsi. Un unicum-spazio che ospita e propone sculture luminose nate dal contrasto tra plexiglas e vegetazione, quest’ultima utilizzata come elemento di costante ed indissolubile legame con il mondo naturale. Opere sospese nel vuoto dello spazio che fluttuano come satelliti, (dischi-piatti) dove già compaiono forme vegetali in crescita, che trasbordano dalla postazione in cerca di un novo approdo da colonizzare; gli altri esseri viventi arriveranno dopo! L’involucro di ogni lavoro diventa il confine con lo spazio naturale esterno e il materiale scelto, il plexiglas, fa sì che il rapporto tra opera e ambiente sia in realtà più simbiotico che reale, grazie ad uno scambio di luci e trasparenze che riflettono e lasciano intravedere quanto esiste tutt’intorno. Opere-oggetti infine, al di sopra di una funzione di servizio, nella speranza che possano avere una possibilità di vita differente, divenendo un oggetto significante, con un’anima, accolte come fonte rigenerante di una riflessione, svela Angela Vettese critica d’arte: “Nella società della luce elettrica occorre vivere sapendo di più, (lei) ci parla di cose più profonde, rivelandoci l’epos del tempo.”

L’artista racconta in “parole libere” il suo processo creativo: “La dimensione che prediligo è quella del tenermi in attenzione sul tempo presente e cercare di cogliere i suoi cambiamenti sociologici etici e quindi espressivi. L’idea di artista in cui mi riconosco è riuscire ad avere un punto di vista sul mondo differente e mettermi in una riflessione intima eliocentrica. La mia pratica artistica prevede la capacità di tenere coesi il sentire del quotidiano e una predisposizione verso il ri-sintonizzarsi con la natura e il suo sistema. Come in un’espressione matematica cerco poi di arrivare a farne una sintesi, un riassunto dell’idea e tradurlo in un’opera/oggetto che possa spiegare, rimandare il tutto in ‘un attimo visivo’ che sia il più chiaro e comprensibile. Ecco penso che il mio lavoro debba avere questo ruolo comunicare in un attimo visivo! Come una sintesi massima, capace e pronta ad aprirsi al suo contenuto complesso, veloce come il pensiero, che offra quella gioia che si prova quando si ha un’intuizione e si comprende subito tutto. L’attimo visivo va alla stessa velocità del pensiero. […] Nel mio lavoro ci sono due momenti: documentazione e realizzazione. Nel primo leggo, guardo, giro per centri commerciali, librerie, giardini urbani, giornalai, documentari sulle scoperte geo, eco, scientifiche, in pietosi centri per il giardinaggio e senza un ordine preciso raccolgo spunti svariati sulle forme e sulle idee, schizzando sopra foglietti di carta improvvisati e magari portandoli in giro per mesi nella borsetta o impilati a fianco del pc. Questa fase può essere molto lunga. Il momento della realizzazione invece di solito è più facile e breve, è dove risolvo soltanto gli aspetti tecnici del progetto, tutto è già chiaro.”

Breve biografia di Stefania Ranghieri
Stefania Ranghieri, nata a Gallarate (Varese) nel 1963, attualmente vive e lavora a Milano dove oltre ad artista e designer è anche insegnante di discipline pittoriche presso la Civica Scuola d’Arte Federico Faruffini di Sesto San Giovanni (Milano).
L’artista frequenta inizialmente il liceo artistico, dove studia Restauro di dipinti e arredi antichi per diplomarsi in seguito in Scultura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera, a Milano.
Comincia la propria ricerca in equilibrio tra arte, antiquariato e design, rendendo questa contaminazione tratto distintivo di tutta la sua produzione.
Espone già a partire dal 1984, tra i vari eventi degni di nota: nel 1991 la partecipazione al concorso di scultura Comunicare in libertà, a cura di Achille Bonito Oliva; nel 1996 concorre al Premio San Carlo Borromeo ospitato al Palazzo della Permanente; nel 2001 aderisce ad Ambiente e le aree non protette mostra internazionale di Mail Art a Palazzo Sertoli, Sondrio e nel 2003 ottiene la personale Origini e discese ospitata allo Spazio Contemporaneo di Villa Visconti D’Aragona, a Sesto San Giovanni.
Il percorso professionale di Stefania Ranghieri si è consolidato negli anni in qualità di ARTDESIGN nella progettazione e realizzazione di opere di design e/o componenti d’arredo legate agli aspetti produttivi industriali e all’insegnamento dell’arte contemporanea.
Nel 2004 la sua ricerca incontra un materiale industriale: il plexiglas, capace di contenere forma plastica e colore senza perdere quel rimando percettivo sensibile e dal 2010 aggiunge alle sue opere luci, led ed elementi vegetali. Questa nuova fase di ricerca trova spazio ad esempio: nel 2008 a D-come Design esibizione organizzata per la Design Week di Torino; nel 2010 e 2011 Salus per aquam e Trees for life per la Design Week di Milano; nel 2012 con la personale al Museo di San Petersburg in Russia e nel 2013 all’evento Terra Aria Acqua Fuoco prima iniziativa del progetto Non solo di pane ideata per Expo 2015.