Kiyan Williams – A Past That is Future Tense

Mostra personale.

Comunicato stampa

“Entri in un luogo. Sporgi la punta della tua lingua. Assapora ciò che persiste. La sensazione che qualcosa accade (è accaduto) qui... Ciò che persiste è qui: ora e ora: qui, un richiamo che intreccia i tempi. Sei catapultato in un passato che è un tempo futuro. La lingua si sforza. Quali sapori caratterizzano il luogo, quali sapori caratterizzano il luogo. Qui si crea una relazione. Roccia al suolo, suolo al sudore, sudore all’acqua, acqua ai microbi, microbi alla memoria, memoria al lavoro.”1
– Christina Sharpe, Note 188, Ordinary Notes
Peres Projects è lieta di presentare A Past That Is Future Tense, (“Un passato che è un tempo futuro”), una mostra di nuove sculture dell’artista americano Kiyan Williams (nato nel 1991 a Newark, New Jersey, USA), la sua prima mostra personale presso la galleria a Milano.
In questa nuova serie di opere, Williams esamina le vite degli oggetti, dando vita a significati sotterranei e oscurati attraverso l’appropriazione e la trasformazione delle forme architettoniche e dei simboli nazionali che strutturano le narrazioni dominanti della storia e del potere. Williams sviluppa il proprio lavoro attraverso un’ontologia orientata agli oggetti che riconosce la dinamicità essenziale delle entità materiali. Le sue nuove opere mescolano gesso, cromo e terra, ampliando un linguaggio visivo di rovina che fa crollare il tempo lineare.
Nel corso della mostra, Williams rimescola strutture e simboli che sostengono gli imperi. L’opera centrale della mostra modifica colonne dell’ordine dorico e corinzio, pilastri che sostengono edifici governativi e che si dice rappresentino concetti idealizzati di corpi cisgender euro-occidentali. Le due colonne neoclassiche sprofondano l’una nell’altra formando una X, un simbolo per l’ignoto, un segno per l’indescrivibile e l’indicatore del genere indefinito e non binario nelle carte d’identità governative. Trattate con nitrato d’argento, il gesso si fonde con il cromo, creando una superficie alchemica in cui il passato si dissolve nel futuro.
Per la serie Variations on Freedom (2023), l’artista ha realizzato busti che si ispirano alla statua bronzea neoclassica che sovrasta il Campidoglio degli Stati Uniti, The Statue of Freedom (la Statua della Libertà), essa stessa un pastiche della statuaria greco-romana antica. Trattando le sculture di gesso con terra e cromo, un processo in cui suolo e nitrato d’argento vengono stratificati nel cemento di gesso, Williams sovverte le espressioni classiche di purezza e bellezza nel canone della storia dell’arte occidentale.
Sospesi da catene, quattro bandiere americane carbonizzate pendono in telai di acciaio, coperte dai residui di olio e pastella. La serie Fried and Suspended Flag (2023) affronta le bandiere nazionali come simboli di potere, rispondendo alle ideologie incrostate e rappresentate dalla bandiera americana rifiutandosi di conformarsi a un simbolo. Le opere sono state realizzate in una performance partecipativa, in cui Williams ha invitato il pubblico a insaporire, infarinare e friggere una collezione di bandiere americane, conferendo all’emblema un nuovo significato. Le bandiere favoriscono il gioco collettivo e offrono un’esperienza di destrutturazione simultanea e ricostruzione collettiva del significato.
Williams rappresenta le bandiere in termini artistici formali: le spezie sostituiscono i pigmenti, mentre la bandiera diventa la tela e gli strati induriti di cibo creano un ponte ulteriore tra l’aspetto pittorico e quello scultoreo. Pur affrontando gli aspetti quotidiani delle tradizioni culinarie americane - le miscele di spezie possono variare e sono espressive delle diverse regioni - l’uso delle spezie qui si riferisce anche alla circolazione iniziale delle merci attraverso l’espansione coloniale.
Il gesto di friggere la bandiera racchiude quindi significati multipli e talvolta contraddittori: Williams non solo stimola un dialogo vitale sul concetto di nazionalità e sulle storie coloniali, ma il suo lavoro risuona profondamente con le questioni di appartenenza, le pratiche di costruzione comunitaria e l’esperienza condivisa della cura. Riorientando il
1 Sharpe, Christina. “Note 188 Terra:Terror:Terroir.” Ordinary Notes, Farrar, Straus and Giroux, Toronto, 2023, p. 281.
significato attraverso una serie di pratiche artistiche, l’artista provoca un collasso temporale tra passato, presente e futuro, esplorando i modi in cui il significato simbolico degli oggetti si accumula nel tempo, ma testimoniando anche come il significato possa cambiare, sfidare e trasformarsi.
Questa è la prima mostra personale di Kiyan Williams con Peres Projects. Il loro lavoro è stato presentato in numerose mostre, come le recenti mostre personali “A Crack Beneath the Weight of it All” presso Altman Siegel a San Francisco (2023), “Hammer Projects: Kiyan Williams” presso l’Hammer Museum a Los Angeles (2022), “Un/earthing” presso Lyles and King a New York (2022), “Reaching Towards Warmer Suns” presso la collezione Anderson dell’Università di Stanford a Palo Alto (2021) e “something else (Variations on Americana)” presso Recess Art a New York (2020). Williams ha inoltre partecipato a numerose mostre collettive, tra cui il MIT List Visual Arts Center a Cambridge (2022), l’Aldrich Contemporary Art Museum a Ridgefield (2022), il Visual Arts Center of Clarington a Bowanville, Ontario (2021), The Shed a New York (2021 e 2019), il Leslie-Lohman Museum a New York (2021), l’Hirshhorn Museum a Washington D.C. (2020), il Socrates Sculpture Park a New York (2020), il Brooklyn Museum a New York (2019) e il Sculpture Center a New York (2019), tra gli altri. Attualmente il loro lavoro è esposto in mostre collettive presso l’Hirshhorn Museum a Washington D.C. e presso Unclebrother a Hancock.