Futuro Antico. Intervista a Hans Ulrich Obrist
“Preoccupatevi per il futuro”. È questo l’invito che il curatore Hans Ulrich Obrist rivolge alle giovani generazioni. Interrogandosi su un domani che va affrontato senza paura
Hans Ulrich Obrist (Zurigo, 1968) ha fatto del dialogo con gli artisti uno strumento chiave per approfondire il legame tra azione creativa e società. Spazio Taverna gli ha chiesto di guardare al futuro e di immaginare le idee guida che orienteranno i tempi a venire.
Quali sono i tuoi riferimenti ispirazionali nell’arte?
Gli inizi del mio lavoro di curatore e il mio interesse per Édouard Glissant sono strettamente correlati. Quando ho visitato Alighiero Boetti a Roma nel 1986, mi ha consigliato di chiedere agli artisti i progetti che non potevano realizzare all’interno del contesto delle istituzioni artistiche convenzionali e quindi di provare a rendere possibili quei progetti. Già allora mi aveva parlato dei libri di Glissant. Boetti aveva iniziato presto a esplorare la realtà della globalizzazione. Come Glissant, era in anticipo sui tempi nell’indicare il potenziale dei dialoghi globali in cui le differenze locali non vengano negate. Dopo le mie visite a Boetti, è diventato presto un rito per me leggere i libri di Glissant per quindici minuti ogni mattina. Alla fine degli Anni Novanta, ho finalmente incontrato Glissant di persona tramite la mia amica agnès b. Ho condotto regolarmente interviste private e pubbliche con lui. Queste conversazioni hanno plasmato il mio lavoro espositivo in misura sempre più forte. In molte delle mie conversazioni con gli artisti in questi giorni, scopro idee dalla “cassetta degli attrezzi” di Glissant. Il mondo ha urgente bisogno di più traduzioni dei suoi scritti in diverse lingue, e in generale di un’apertura di pensiero per consentire un vero dialogo globale, come previsto da Glissant.
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Quale lavoro ti rappresenta di più? Puoi raccontarci la sua genesi?
Ce ne sono diversi. Il primo lavoro è Visible World (1987-2001) di Peter Fischli e David Weiss, che ho incontrato nel 1987. In oltre trent’anni di collaborazione, la carriera di Peter Fischli e David Weiss è stata contrassegnata dalla costante preoccupazione di rendere visibile ciò che viene trascurato. Uno dei modi in cui il duo ha raggiunto questo obiettivo nel suo lavoro è attraverso un processo rigoroso, a volte giocoso, di selezione e connessione tra elementi trovati e costruiti, tra la vita quotidiana e l’ambiente esterno. Visible World descrive diversi temi che sono parte integrante del mio lavoro: è un vasto archivio che comprende oltre tremila fotografie a colori, come risultato di osservazione e impegno. Il progetto ha rivalutato l’atto della classificazione, diventando un mezzo per favorire i collegamenti sia per quanto riguarda il suo contenuto sia per la diversità geografica che collega locale e globale. Chiunque si accosta all’opera troverà in essa il proprio mondo e tuttavia non potrà mai essere visto nella sua interezza; nega la visione totale. Visible World è una mappa della vita così come la conosciamo, ma è sempre attenta alla sua provvisorietà, ponendo domande su cosa, come e in quali condizioni possiamo arrivare a riconoscere, comprendere e interpretare.
Qual è l’importanza del genius loci nel tuo lavoro?
Con la curatela è importante entrare in contatto con lo spirito locale del luogo in cui si svolge una mostra. La questione del genius loci solleva anche la questione del locale e ci ricorda la domanda di Bernard Stiegler su come essere locali senza essere localisti.
Per molti dei miei progetti amo mostrare l’arte dove la gente meno se lo aspetta: la prima mostra che abbia mai curato, World Soup, era nella mia cucina di studente. Questo approccio fa parte della mia pratica curatoriale fino a oggi. Un esempio più recente è la performance di Jota Mombaça che ho curato per la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo sull’isola di San Giacomo a Venezia. San Giacomo è l’isola dove Jerzy Grotowski ha svolto il suo laboratorio teatrale negli Anni Settanta – il suo spirito si respira ancora sull’isola. La performance di Mombaça radicalmente sperimentale ha affrontato l’emergenza climatica e si è collegata all’eredità di Grotowski: due sorprendenti approcci alla performance collegati attraverso la località. Lo stato d’animo più grande che una persona può raggiungere è lo stupore e il genius loci può farne parte.
Hans Ulrich Obrist
PASSATO E FUTURO SECONDO OBRIST
Quanto è importante il passato per immaginare e costruire il futuro? Credi che il futuro possa avere un cuore antico?
Il futuro si inventa con frammenti del passato. Anche il fatto che abbiamo sempre più informazioni non significa che abbiamo più memoria. Abbiamo bisogno, come mi ha insegnato l’artista Rosemarie Trockel, di una protesta contro l’oblio. Questa è la chiave di tutto il mio lavoro curatoriale, delle mie interviste e delle mie mostre. Abbiamo proposto una serie di mostre alla Serpentine per celebrare artisti leggendari che non hanno mai avuto una mostra monografica. In questo momento presentiamo Kamala Ibrahim Ishag, il leggendario pittore del Sudan e la leggendaria scultrice, poeta e romanziera Barbara Chase-Riboud. Con una carriera che dura da oltre sette decenni, l’innovazione di Chase-Riboud nella tecnica scultorea e nella materialità è caratterizzata dall’interazione tra pieghe di bronzo fuso o alluminio e bobine di lana e seta che sono annodate, intrecciate, avvolte e tessute. Combinando materiali con qualità diverse come duro e morbido, leggero contro pesante e tattile contro rigido, le opere di Chase-Riboud prestano una considerazione estetica alla pratica scultorea attraverso l’uso di “gonne” in fibra, legate all’interesse dell’artista per la creazione di forme che uniscono forze opposte. Oggi l’artista ha più di ottant’anni e la sua mostra Infinite Folds alla Serpentine è la sua prima antologica europea.
Quale consiglio daresti a un giovane che vuole intraprendere la tua strada?
Consiglierei di essere curioso, di avere voglia di incontrare artisti, di ricercare sempre e di spingere continuamente le porte. Viviamo in tempi entusiasmanti e c’è ancora molto da produrre, immaginare e pensare per collegare gli artisti con il pubblico e temi sociali più ampi. Una preoccupazione per il futuro è anche ciò che consiglierei ai giovani. Un altro aspetto importante è ascoltare. Come mi ha insegnato la poetessa e artista Etel Adnan, “il mondo ha bisogno di stare insieme, non di separazione. Amore, non sospetto. Un futuro comune, non isolamento”. L’ascolto è una forma di generosità per dare spazio a nuove idee e andare oltre la paura di mettere in comune le conoscenze. È solo attraverso lo scambio che possiamo veramente imparare e creare.
In un’epoca di post verità, il concetto di sacro ha ancora importanza e forza?
Il mondo complesso in cui viviamo fa tornare gli artisti ai temi della spiritualità e del sacro. Recentemente attratto dall’ambiente trascendentale della Cappella Rothko a Houston, in Texas, l’artista Theaster Gates, ad esempio, ha prodotto una serie di nuovi dipinti in catrame appositamente per la sua Serpentine Pavilion Black Chapel. Una campana di bronzo funzionante, recuperata da St. Laurence (una chiesa storica che un tempo sorgeva nel South Side di Chicago) si trovava accanto all’ingresso del padiglione. È stato davvero potente.
Serpentine Pavilion 2022, Black Chapel, designed by Theaster Gates. Design render, exterior view. © 2022 Theaster Gates Studio.
TRE IDEE PER IL FUTURO SUGGERITE DA OBRIST
Come immagini il futuro? Potresti darci tre idee che secondo te guideranno i prossimi anni?
1. Nel 2021, 2,8 miliardi di persone (quasi un terzo della popolazione mondiale) hanno giocato ai videogiochi. Un passatempo di nicchia è diventato il più grande fenomeno di massa del nostro tempo. Molte persone trascorrono ore ogni giorno in un mondo parallelo e vivono una moltitudine di vite diverse. I videogiochi sono per il XXI secolo ciò che i film sono stati per il XX e i romanzi per il XIX. Le possibilità offerte dall’arte e dalla tecnologia sono infinite e spesso si intrecciano con progetti di gioco. In futuro vedremo artisti inventare i propri videogiochi o musicisti fare concerti o festival all’interno di uno spazio di gioco. È necessario creare nuovi dipartimenti all’interno dei musei e il ruolo del curatore è in continua evoluzione. Alla Serpentine abbiamo effettivamente creato un dipartimento tecnologico che lavora su tali esperimenti. Il programma Serpentine Arts Technologies propone prospettive critiche e interdisciplinari sulle tecnologie avanzate attraverso interventi artistici, sfidando e rimodellando il ruolo che le tecnologie possono svolgere nella cultura e nella società. In termini molto concreti, stiamo collaborando con artisti che sfruttano la blockchain open source su un nuovo progetto di gioco di costruzione del mondo. Serpentine Arts Technologies rilascerà anche la terza edizione del briefing strategico annuale Future Art Ecosystems, scoprendo nuove implicazioni delle tecnologie Web3 emergenti per la costruzione di infrastrutture culturali pubbliche. Dopo la commissione inaugurale di Artist Worlds, sveleremo un gioco scaricabile multilivello e un progetto complementare basato su blockchain sviluppato con l’artista brasiliano Gabriel Massan e un team di collaboratori. È così eccitante per me. Il lavoro è descritto da Massan come un “gioco di sensibilizzazione che esplora le esperienze brasiliane nere-indigene“. Verrà lanciato nel febbraio 2023 online tramite Steam e in loco presso Serpentine e amplificherà l’impegno di Serpentine nei progetti di gioco.
2. In questo periodo di pericolo ecologico, dovremmo ricordare l’artista visionario Gustav Metzger, morto nel 2017. Metzger era mio amico e non ha mai smesso di dirmi che gli artisti dovrebbero creare opere che affrontino i pericoli urgenti che la società deve fronteggiare. Ha invitato il mondo dell’arte ad agire per convincere le persone a reagire alla minaccia della distruzione del pianeta. Come ha affermato all’inaugurazione della mostra Facing Extinction nel 2014, è in atto una distruzione, nella e della natura, su una scala senza precedenti. Ed è quello che ci siamo impegnati a fare alla Serpentine. Qual è il nostro ruolo come spazio espositivo, come struttura per artisti e idee, come archivio e catalizzatore? Questo ci ha portato a impegnarci in un nuovo modo di pensare e di agire. L’ecologia sarà al centro di tutto ciò che facciamo. Dobbiamo alla memoria di Metzger il fatto di continuare questo lavoro.
3. L’approccio incentrato sulla comunità del Federal Art Project, introdotto nel 1935 come parte della Works Project Administration (WPA) del New Deal del presidente Franklin D. Roosevelt, può essere un’ispirazione in un momento in cui il sistema attuale deve essere ripensato. È urgentemente necessario un progetto di stimolo artistico simile per dimensioni al WPA. L’idea è molto rilevante per il momento attuale, sia in termini di sostegno all’economia che di aiuto e cura per gli artisti. È particolarmente importante che le istituzioni artistiche pensino a come possono andare oltre le loro mura e raggiungere tutti. Come istituzioni pubbliche il nostro compito collettivo è sostenere gli artisti e la cultura. Quando le istituzioni artistiche mettono a disposizione degli artisti le loro piattaforme, molti dei problemi del mondo possono essere esplorati con onestà e speranza. Se c’è mai stato un momento in cui il mondo aveva bisogno di artisti, è adesso. Sulla base di questo approccio incentrato sulla comunità, abbiamo collaborato con il distretto londinese di Barking e Dagenham per la nostra mostra Radio Ballads (2022), per creare un progetto della durata di diversi anni in cui gli artisti sono stati integrati nei principali servizi di assistenza sociale e nei contesti della comunità in tutto il distretto: le opere d’arte derivanti da questa collaborazione sono state esposte in mostra, portando l’arte fuori dagli spazi della galleria nella comunità e viceversa.
Ludovico Pratesi
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